專訪施鏌涵 • 可見中的「不可見」與展場空間角力

你參觀展覽的方式是怎樣？藝術家、作品與觀眾之間可以空出來的距離又是怎樣？

我們很多時候會直接墮入，或是習慣了某種具標準的觀展勞動模式，特定的路線、觀賞形式、單一的觀看角度等等。又例如面對作品的時候，觀眾需要消化多少的時間、研究文本與數據？藝術家又需要釋放出多少作品背後的深意？傾其所有？塞滿每一個畫格？

在《絕地 The Sovereign Grid》中，施鏌涵 Victor 選擇了一條不一樣的逃逸路線，這亦是我對他的創作的好奇之一。面對「地圖與製圖」這寬闊且牽涉日常、歷史、政治的命題，他刻意沒有接近任何標準答案，而是將錄像作品的「內容」徹底抹除。他以側面的投影、無限輪迴的單格影像，以及磨白的玻璃，在展場中帶來一場關於「視覺戒斷」的實驗。這次訪談，驚喜地發現他並非只捕捉細微的觀察表面，而是精準地把所謂創作內容轉化與拆解，例如如何將時間「屍解」，以一種潛左駭客般的狀態，重新定義錄像、空間與觀眾之間的觀賞與權力關係。

逃離線性時間，將影像「屍解」為空間雕塑

「最開始我是做雕塑或者裝置的，對立體和空間、以及作品如何與空間互動比較有興趣。」Victor 於訪談一開始便道出他的創作源頭。這個背景影響了他對錄像（Video）的認知，他並不將錄像視為純粹說故事的載體，而是將其視為一種「物理發光體」與「空間介入物」。他敏銳地察覺到，錄像在「戲院」與「展覽空間」中的運作機制有著本質上的差異。在戲院裡，觀眾是被動地被綁在椅子上，跟隨影片的線性時間前進；但在展覽空間中，錄像呈現的是一種「迴圈（loop）」與循環，而觀眾擁有了移動、停留或離開的主動權。

「當一個影片在展場不停地循環，它有自己動的時間，而觀眾也有自己的時間，這中間有一種角力的關係。」

在作品《兜》中，這種時間的角力被推向了極致，他捨棄了常規的動態影像，提取了一秒 24 格中的「單一格」，約 0.04 秒，讓它無限重複。伴隨的聲音也不再是流暢的配樂，而是將一格聲音裡的兩個跳躍音階，轉化為類似時鐘滴答作響的頻率。Victor 的做法更像是將時間「屍解」，他抽乾了錄像中的敘事時間，包括過去、現在、未來的流動，讓影像退化成單純的物理頻率。當影像不再承載故事，它就從「媒介」變成了「物件」。這解釋了為什麼他會將影片投射放置在「地上的容器」裡，他不是在播放影片，而是把錄像當成磚塊，直接安置在展場的空間座標上，並為展覽「定調」。

影像的再物質化與視覺戒斷

面對當下藝術圈過度展示的焦慮，Victor 坦言「現在的展覽，所有東西都好像說得太多，有一種怕大家看不到的恐懼，所以就要把所有東西都展露出來。」作為對這種現象的抵抗，他刻意將作品某些部分「藏起來」。在探討盲點與「可見 / 不可見」的作品《切片》中，他捨棄了正面投影的常規做法，將投影機正常安置，卻打在留有縫隙的粗糙木板上，刻意只開放一個極度側面的死角。]

「如果你完全看不到影片的內容，只看得到它散發出來的光，你會想到什麼？」

Victor 提出了一個直指錄像本質的問題，他切斷了觀眾對圖像的依賴，讓視覺內容產生斷裂。這種刻意製造的「不可見」，在資訊超載的當代展覽中，反而為觀眾提供了一種「視覺戒斷」的體驗。當觀眾無法再透過閱讀文字或辨識圖像來獲取資訊時，感官反而被放大。木板的紋理、光影的閃爍、甚至展場中其他作品的聲音，都因為這份「不可見」而變得立體。我認為最有趣的在於他無意間將錄像從「乘載資訊的視窗」，還原為「發光物質」本身，直接思考「看」的行為本身如何成為新的意義生產場域。

抹除的悖論，潛藏著的過度與虛無

Victor 的靈感往往來自對日常極其微觀的觀察。在駐留期間，他觀察火炭工業區的洗車店，看著修車工人們不斷噴灑泡沫、擦拭、再沖洗，這些高度機械化、重複的勞動，讓他聯想到電影《第七大陸》中那種消費社會的虛無感。他直接把這種對「重複動作」的關注，轉化為一件具詩意與矛盾的作品《白痕》。他用砂紙不斷地去打磨一塊玻璃，影片本身卻是倒放的。「你在以為擦拭、抹去東西，但其實你好像是增加了痕跡，或者你為了增加點什麼，卻又像在擦除。」影片的最終，畫面被調至極淡，直到痕跡完全消失，只剩下一片全白的「白牆」。

這個「抹除」的動作，隱約感受到那層被蓋住的日常異化，精準地指向了當代社會的資訊耗散的狀態。我們身處一個過度記錄的時代，所有細節都被高清鏡頭捕捉，當我們試圖用越來越多的資訊去解釋一件事物時，往往就像用砂紙磨玻璃。我們以為在釐清真相，實際上卻製造了一層磨砂的玻璃，反而遮蔽了事物的本質。

展覽機制的潛在駭客

展覽空間從來不是中性的白盒子，而是充滿裂縫與角力的感知場域。許多藝術家在參與有明確命題的聯展時，往往會陷入答題式的創作邏輯。面對「地圖與製圖」這個帶有濃厚政治與歷史意味的主題，Victor 選擇迴避正面的碰撞。

「有時候會覺得自己沒什麼資格去說那些歷史，所以我不想那麼直白地講述。」故此，他提取了命題中「投影（Projection）」這個雙關語，它既是製圖學中將立體地球平面化的概念，亦是錄像藝術的物理媒介。透過這個概念的轉換，他像駭客般潛入了展覽機制。他沒有提交一件件標準的「地圖作品」，而是利用展覽空間的特性，反向測試這個空間的極限。他很認真地指出這次的作品是建立在許多「對立面」之上的，包括反傳統錄像的飽滿、反展覽主題的既定框架，甚至反自己以往創作中運用敘事的習慣。

另一樣可以看到的是，Victor 這種刻意製造盲點與留白，本質上是一種權力的下放。當代藝術常有一種隱含的權力結構，藝術家是啟蒙者，握有研究成果與真理，觀眾則是受教者。Victor 坦言「對討好觀眾沒什麼興趣」，他甚至承認自己對作品也留有「不明白的空白」，好讓自己可以不斷回看作品。「不如把它空白了，觀眾擺進自己的想法也無所謂。我不會凌駕觀眾，他們可以自己有個空間去慢慢沉思。」他消解了藝術家與觀眾之間上述的階級關係，提供了一個純粹的容器，讓觀看從單向的知識接收，變成了平等的心理投射。

在框架之外的風景

當討論到是否想呈現人們日常忽略的事物時，他的作品在當代影像過剩的語境中顯得格外銳利。「我不是要叫你去看看身邊微細的東西，我只是嘗試去看一點框外的東西。它可能改變了一個展覽的風景，成為了這裡風景的一部分。」我尤其喜歡他的創作是超越單一媒材的探討，例如他不做常規的錄像藝術，他是在用錄像的殘骸與光影，搭建一個測試觀眾感知的實驗室。

在一個急於表態、急於發聲的時代，Victor 用他的「不可見」與「空白」，保留了一方得以自由思想的靜謐之地。真正展出的從來都不是畫面，而是觀眾在面對那片刺眼的白場與粗糙的木縫時，內心所湧現的那份猶疑、斷裂與重新思考的自由。